谈舞台服装剧场感的表现
摘要:本文主要从舞台服装的发展开始谈起，主要论述了怎样表现舞台服装的剧场感。众所周知，在戏剧学院里面舞台设计、灯光设计、服化设计同属于一个系，只不过是不同的两个专业而已。他们之间有着密不可分的关系。本文就从这几个范畴来论述，并在舞台服装与布景的关系中做了重点的论述。关键词:剧场感 舞台服装 造型 舞台布景 融合
一、引言
自从戏剧诞生在舞台上，表演舞台就是它的载体。虽然对于戏剧的本质，“观众”说里面的“二要素”认为戏剧就是演员和观众，但我觉得在文明社会所表现的艺术，演员的穿衣装扮很重要。并且不仅要穿，还要穿好，穿出戏。戏剧发展到现在正在一步步的前进和不断的升级，戏剧人物服装造型和戏剧场景就是舞台美术中的主体中不可或缺的部分，早期戏剧就是这样。现在又加上了灯光、音响以及电脑特技等等，使戏剧更加丰富多彩。
服装是表演艺术一个必不可少的部分。观众在观看戏剧的时候，对美丽别致的舞台服装会有一种赏心悦目的感受。同时，舞台服装又通过色彩和质感表现出对戏中人物的心理，而且因戏剧内容的暗示等手段使舞台服装更加细腻。因此舞台服装设计是舞台艺术创作中一个独立的专业领域，是解释整个作品、表现人物、创造戏剧风格设计工作中的一个重要组成部分。
舞台服装随着戏剧学和时代的逐渐发展，发展至今，已成为一门具有创造性的艺术。
二、舞台服装的发展
所谓的舞台服装是指演员在特定的场合进行演出表演时所穿的经过艺术设计装饰和选择后的服装，鞋帽及配饰等。它是塑造角色外部形象，体现演出风格的重要手段之一。舞台服装源于生活服装，但有别于生活服装，它和化妆是演出活动中最早出现的造型元素。
戏剧最早起源于古希腊，虽然那个时候只有悲剧和喜剧之分，但是我们在古希腊剧作家埃斯库罗斯的剧作中，还能找到演员穿着各色的袍子，头戴面具，蹬着高底靴，以夸大演员的身材来使观众能远距离的辨认角色。到了索福克勒斯、欧里庇得斯时期，剧中人物则以悲剧色彩的.黑色为主，中世纪后期，各大行会开始资助演出工作，他们用服装来炫耀财富，攀比气质，此时，演员们的服饰非常华丽，幻想式与象征性舞台服装争相出现。可见，在戏剧史上，服装的作用是给有那远穿衣逐渐向创造人物改变。
在伊拉沙白一世时代，演员剧团频繁向皇家贵族们讨论他们不同的服饰，所以那时的舞台服装明显地带有一种皇家礼仪的味道，英国戏剧因为他的服装的杰出而扬名整个欧洲，此时的舞台服装仅仅来源于生活服装，利用皇家贵族的华丽服饰来满足舞台的薄弱。
在文艺复兴时期的意大利，假面戏剧（即兴戏剧）独挡一面，剧中的每个类型角色都穿着特有的服装，且定型化角色必须戴假面具上台，观众一看就能立刻认出他们的年龄与性情。
在18和19世纪间，某些现实主义的理念逐渐主导西方戏剧，这两个世纪见证了许多基本的社会变化，详细而准确的科学方法被接受。欧洲以及美国出现了一系列以历史真实为指导原则的戏剧演出，这是戏剧史上第一次有了这样的做法，要求用不厌其烦的努力来保证每一场戏中的每件服装的设计，还有每个道具和每个布景，都要符合那个时代的可靠资料，强调历史真实的运用和追求准确性的敬业精神带来了戏剧服装设计的观念性的广泛变化，其影响一直留存至今。
进入了20世纪80年代后期，后现代主义的风气在中国时装设计师身上逐渐体现出来了，信息技术的飞跃与网络时代的普遍，概念化的服装已深入了人们的脑海中，夸张的服饰已成为当今宣扬个性，展现自我的一种手段，舞台化的元素逐渐走入了大街小巷。我们再看看著名服装设计师John Galliano，他自始至终都将他那戏剧性的设计风格贯穿于他设计之中，各种夸张的、怪诞的造型，被John Galliano描绘的极具声色。桀骜不驯的表情，华丽的外表，丰富的细节，和富于想象的色彩搭配，我们惊叹于John Galliano疯狂而出色的想象力。这就是设计师在设计概念上的运用，也将他的品牌以及设计理念深深的烙在了观众的心中。京剧元素也是一个亮点，京剧的脸谱属于一种面具艺术，鲜明地表现了每个人物的性格特征，他以图案化的脸谱揭示出了人物的类型、性格、品质、年龄等综合特征，是我国国粹中仅有的艺术手法，一般都出现在舞台中，可现代生活中，以脸谱图案作为服装纹饰频频出现，而已成为新潮款式和纹饰主题。“衫国演义”就是一家原创T—SHIRT的品牌，他的T—SHIRT图案包括了后现代、pop、新古典、唯美和CHINA几个系列，尤其CHINA系列中很多采用了京剧脸谱图案，有写实的，也有抽象的，但其目的已不在于人物性格的刻画，而只是在服装上单纯取其装饰性。